赛迪·科尔斯：我正在准备新闻稿。能谈谈你为戴维斯街的画廊展览创作时采用的创作手法吗？
塞斯·普莱斯：你可以直接说这些作品是手势生发和机器处理的结合。
展览定个标题如何？
那就用我的名字吧。
那就叫“塞斯·普莱斯”。这些画作中，数字工具与手势笔触相互碰撞。这种碰撞是重点所在吗？
这种碰撞让我能真正进入绘画创作。当你把身体的即兴与直觉、空间与时间中的姿势动作，与那种缓慢的处理过程、深思熟虑、陌生和抽象的特质以及极致的掌控结合在一起时，就会产生一种张力。
你曾写道：“当我觉得画作出现问题时，我会拍下照片并导入3D建模软件，在那里添加一些简单的虚拟物体，比如平面、管状物、半球体和算法图案。” 你如何判断画作中存在“问题”？又如何知道问题得到了解决？"
我在创作时试图不去思考构图与和谐这些要素，但最终还是能做出我觉得很酷的画作。这就是我唯一的目标——创作酷炫的作品。理想状态下，我会先用手创作出一件充满能量但完全失衡、毫无章法的作品，作品不堪得让我都羞于展示。然后我就用机器来解决这个问题。因此，在这些作品中，和谐与美感的塑造不仅发生在物质世界中，或存在于艺术史中关于笔触构图的语境里，也不仅是身体对动作和触感的回应，而是在一个超越人性的维度中实现。
你曾这样谈论身份认同和人类处境：“艺术教会我们如何混合内部与外部、自我与他者、私密与公开、物质与非物质。艺术揭示了我们非人类的一面。”你指的是我们机器学习的那一面吗？还是恰恰相反，是指我们追求混乱的倾向？
艺术承诺让我们接触到一切非人类的事物，一切在我们之外的东西。这正是我们所向往的。我说的不仅仅是技术世界，还包括自然界，或者说精神世界。
某种陌生飘渺的音乐吧。不过有一天我走进工作室时，正好在放一些强劲的电子音乐，那一刻我突然有了某种顿悟。
塞斯·普莱斯 （b. 1973, 东耶路撒冷）曾在国际范围内举办多场重要展览，其中包括：“艺术非人类”，赛迪HQ画廊，伦敦（2022）；“无技法”，阿斯彭艺术博物馆，阿斯彭（2019）；“丹尼、米拉、汉娜、爱莉安娜、鲍勃、布拉德”，MoMA PS1，纽约（2018）；“塞斯·普莱斯：1981年前后”，伦敦当代艺术中心，伦敦（2017）；“塞斯·普莱斯——社会综合体”，阿姆斯特丹市立博物馆，阿姆斯特丹（2017，后于2018年巡展至慕尼黑兰德霍斯特博物馆）；第十三届卡塞尔文献展，卡塞尔（2012）；“塞斯·普莱斯”，博洛尼亚现代艺术博物馆，博洛尼亚（2009）；苏黎世美术馆（2008）；科隆艺术协会（2008）；牛津现代艺术馆（2007，与凯利·沃克共同展出)。他曾参与多个艺术机构举办的群展，包括：卑尔根科德美术馆（2024）、罗马古代艺术国家美术馆（2024）、杜塞尔多夫艺术宫（2024）、杜塞尔多夫美术馆（2021）、雅典当代艺术中心（2021）、迈阿密德拉克鲁斯收藏馆（2020）、杜塞尔多夫北莱茵-威斯特法伦州艺术收藏馆（2020）、都灵里沃利城堡当代艺术博物馆（2019和2020）、慕尼黑布兰德霍斯特博物馆（2019和2020）、特拉维夫当代艺术中心（2019）、纽约现代艺术博物馆（2019）、墨西哥城FEMSA驻地/路易斯·巴拉甘故居（2019）、上海双年展（2018）、波士顿现代艺术中心（2018）等。他的作品已被多个国际知名公共机构收藏，包括奥斯陆阿斯楚普费恩利现代艺术博物馆、纽约现代艺术博物馆、阿姆斯特丹市立博物馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆等。
“在你早期的作品《思想源于身体》（Thought Comes From The Body, 2022）和《思想源于身体 II》（Thought Comes From the Body II, 2022-3）中，你呈现了工作室空间的鱼眼变形视角。这个主题在本次展览作品中再次出现，但扩展到了城市场景、建筑细节和乡村天空。你是如何选择这些保留下来的场景，或者说“窥视”片段的？
我把画作导入软件，放入虚拟工作室，用真实场景的照片来打光。当你在画作上放置一个反光球时，它会映射出那个场景。这次展出的一些作品就是用伦敦的实景打光的。我曾把一幅画平放在金丝雀码头的广场上。不过我通常是根据光线来选择场景：考虑一天中的时刻、太阳的位置、是否阴天等因素。展览中有一幅画是我放在科茨沃尔德的乡间小路上，被月光照亮，画中的阴影非常柔和，带着大量褐色调。
这些画作配什么音乐最合适？感觉它们应该有配乐。